Nunö

Éste es un link de la página de un ilustrador Nunö! espero lo disfruten!
http://www.nunomante.com.ar/ilustraciones.php

2061 palabras

En la actualidad, el manejo de la informática (ciencia del tratamiento automático de la información mediante un ordenador), se hace imprescindible en muchas actividades y acciones llevadas a cabo en la vida diaria de cualquier persona que atraviesa estos tiempos de avances tecnológicos, cada vez más rápidos.

En mi caso particular, me encuentro cursando el 4° año de mi carrera de estudios dentro de las Artes Visuales, en el cual se dispone un seminario optativo del segundo cuatrimestre, llamado “arte digital”, a cargo de la Profesora Ysabel Tamayo.

Para introducirnos al seminario la profesora solicito la indagación e investigación del lo que comprendía la idea de arte digital en la actualidad. Es por eso que pude comenzar a leer en páginas y sitios web, sobre los precursores de la informática y los ordenadores que hoy día tanto influencian y han influenciado nuestra sociedad y nuestra cultura. Pensar la informática y el ordenador, como herramientas para crear imágenes y sonidos o, en definitiva, para producir nuevas experiencias artísticas, muy pronto fue abriendo nuevos horizontes a los artistas de cualquier parte del mundo, que se lanzaron a explorar sus posibilidades de expresión.

 Pero para ser más claro en la definición del concepto y de lo que comprende en sí el Arte Digital, comencé la búsqueda de diferentes autores y  definiciones. En esta exploración y sabiendo que podemos definir ARTE (cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros, etc) por un lado y DIGITAL (utiliza o contiene información convertida al código binario, el lenguaje de números -ceros y unos- que emplean los ordenadores para almacenar y manipular los datos) por el otro, me intereso encontrar un concepto que unificara las dos palabras. Entonces puedo decir que el arte digital, engloba una serie de disciplinas creativas en las que se utilizan tecnologías digitales en el proceso de producción o en su exhibición. Por lo tanto se encuentra dentro de las Artes Plásticas como un lenguaje visual y por lo tanto entra en la categoría estética, y los críticos de arte y escritores de la cultura digital, así como las empresas que publicitan novísimas tecnologías contribuyen a ello. Pudiendo de igual manera distinguir el arte tradicional del digital señalando que éste es tecnológico, y el resto no. Lo tecnológico vendría a ser un instrumento o procedimiento que posibilita la creación.

Los programas con los que conté hasta el momento y con los cuales sigo contando son: corel photo paint y photoshop. Tuve experiencias previas en cuanto al manejo de estas dos herramientas, pero, he mantenido una mayor afinidad con el primero (corel photo pait). También hay otros programas editores de imagen que he bajado de internet, de los cuales también he ejercitado. Mis experiencias tienen que ver básicamente en base a fotografías que tomo en diferentes momentos con mi cámara digital, la cual hace tiempo tengo. Mis realizaciones, la mayoría, han sido por recorridos propios y de búsquedas personales, iniciadas por mi propia curiosidad, en la búsqueda de nuevas herramientas y caminos, además, por afinidad hacia los medios digitales y la computadora.

Otra de las cuestiones que la profesora nos hizo indagar fue sobre la realidad virtual, el hecho de generar imágenes sintéticas, que podemos ver en pantalla. Esto hace referencia a la inmersión en mundos tridimensionales generados sintéticamente, desde donde es posible interactuar con los objetos artificiales del entorno (simulaciones artificiales de la realidad, que va desde los diaporamas y los adelantados cines 3D hasta el actual CAVE y los sistemas de realidad aumentada).

Una nueva cuestión se centraba en la averiguación de lo que es la Retórica de la Imagen. En este caso a quien acudí fue al autor Roland Barthes, quien estableció en 1964 la definición teórica de los mecanismos retóricos que actúan en el plano de la connotación de la imagen publicitaria. En su trabajo "La retórica de la imagen", Barthes, analizan las características de la imagen en el mensaje publicitario, señala que, la significación es sin duda intencional, distinguiendo entre: Mensaje lingüístico (Se refiere al lenguaje articulado escrito que podría llegar a formar parte de la misma imagen) y Mensaje icónico simbólico (formado por agrupaciones de determinados elementos de la figura que aluden a conocimientos pertenecientes a la realidad cultural compartida por emisor y receptor)

Continuamos indagando sobre lo que es una imagen analógica (conformada por infinidad de partículas que reproducen intensidades de luz o describen intensidades tonales los granos de cloruro de plata de la fotografía tradicional) y cuáles son sus diferencias con la imagen digital (La imagen digital se compone de una matriz de píxeles que puede observarse en el monitor, almacenarse en la memoria del ordenador, interpretarse como minúsculos puntos de tinta sobre una superficie de papel o enviarse por internet) aquí la diferencia tiene que ver, únicamente, que aquí no se trata de granos sino de píxeles (éstos no derivan de la sensibilización de sales).

La propuesta de trabajo de realización individual tuvo que ver con la elección de dos o más variables, que tomaríamos como punto de partida o como ejes principales para la elaboración de diez imágenes digitales, las cuales tenían que ser creadas e intervenidas de acuerdo a cada una de nuestras posibilidades. En mi caso, las herramientas utilizadas fueron las que nombre anteriormente y las variables elegidas tuvieron que ver con el derechos de autor (que es lo que existe desde que la obra es creada, donde se convierte inmediatamente en propiedad del autor que crea dicha obra, solo él o aquellos cuyos derechos derivan del autor pueden reclamar propiedad y solo el titular goza de derechos exclusivos con respecto a lo creado) y como segunda variable tome pinturas famosas (aquellas que son muy conocidas por el entorno artístico y por la gente común). Como exprese en un post anterior los motivos de la elección de las dos variables tuvieron que ver, en primer lugar y correspondiente a la primer variable, por un hecho del cual fui protagonista, sucedido a mitad de este año, en el cual sufrí el robo de una de mis pinturas desarrollada unos cinco mesas atrás, lo cual generó en mi un montón de cuestionamientos frente a este hecho que nunca me había sucedido. Pero además la gran curiosidad por los derechos que todo autor tiene derecho, las leyes de las cuales se disponen a favor del creador. Pude descubrir los símbolos utilizados para poder señalar en muchas ceraciones este derecho, por un lado tenemos el símbolo ℗  representa la reserva de los derechos de autor sobre una grabación; y es la abreviatura de la palabra “fonógrafo”;phonograph en inglés, o registro fonográfico. Este símbolo hace referencia al fonograma (master de audio) no a la obra musical en sí grabada; es muy común verlo impreso en las contraportadas de los discos. Por otro lado, el símbolo © sí hace referencia al derecho de autor (copyright) que protege obras intelectuales, como canciones, libros, obras dramáticas, obras cinematográficas y audiovisuales; dibujos, pinturas etc. En este punto recuerdo la obra de Walter Benjamín titulado “La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica”, donde el autor desarrolla esencialmente la cuestión aurática en una obra de arte, postulando que la obra ha sido siempre fundamentalmente susceptible de reproducción. Lo que los hombres habían hecho, podía ser imitado por los hombres. Poniendo en tela de juicio el aura en la imagen fotográfica y los videos, los cuales se pueden reproducir infinitas veces. Mi segunda variante (pinturas famosas) de mi gran afinidad hacia ese lenguaje artístico, la cual la elección de ellas varió en estilos, épocas y autores. Las cuales nombraré por el orden en que las publique a los artistas pintores, de los cuales tome una obra para trabajar en mi idea: la primera tiene que ver con una pintura de vasili Kandinsky (1866-1944), fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica. La segunda es de Piet Mondrian (1872-1944), pintor vanguardista holandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Vasili Kandinski y Kazimir Malévich. La tercer pintura corresponde a Gustav Klimt (1862-1918), fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. La cuarta pintura, se trata de Pablo Picasso (1881-1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. La quinta imagen tiene que ver con Joan Miró (1893-1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. La sexta obra es la de uno de mis artistas favoritos Jorge de la Vega (1930-1971), miembro del movimiento de vanguardia llamada Nueva Figuración. La séptima imagen es una pintura de Salvador Dalí (1904-1989), fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. La octava es de Edvard Munch (1863-1944), fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. La novena pintura intervenida es de Leonardo da Vinci (1452-1519), fue un pintor florentino y polímata (a la vez artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor). La última imagen tiene que ver con el artista argentino Antonio Berni (1905-1981), artista representativo de la época que vivió; lo caracterizó el fuerte contenido social de su obra. Con una galería de personajes entre los que se destacan Juanito Laguna y Ramona Montiel, representantes de los sectores más bajos y olvidados. Mi presencia en cada una de las imágenes creadas, fue una constante, la tarea de introducirme como principal personaje, quien interrumpe de forma drástica cada una de las fotografías logrando darle un nuevo sentido. Como una autocrítica, puedo decir que,  la idea fue variando con respecto a la representación y tuve algunos inconvenientes en poder lograr lo que yo quería comunicar de alguna forma. Comencé por unas imágenes donde yo aparezco con un rostro un tanto soberbio, dañando la obra, esto se da en las pinturas de Vasili Kandinski, Joan Miró y Gustav Klimt, luego pude agrupar aquellas imágenes intervenidas de un nuevo camino que se fue dando durante la realización de toda la serie, en las pinturas de Pablo Picasso, Salvador Dalí, Piet Mondrian y Jorge de la Vega, se dieron nuevos efectos, hay modificaciones muy visibles que realice en cada una de ellas y de las cuales me permitió darle un nuevo sentido y poder resignificar cada una de ellas. Las tres y últimas imágenes restantes, de los artistas, Edvard Munch, Leonardo da Vinci y Antonio Berni, ya llegaron a perder el formato de obra de arte, es decir, perdieron la forma de soporte lienzo, por ejemplo, la incorporación de “La Gioconda” de da Vinci, que aparece en una caja de vitaminas, el otro caso, de un bloc de copias de la misma imagen apiladas de “El Grito” de Munch y por último la imagen de una impresión en papel del cuadro de Berni.  Lo que me permitió desarrollar cada una de mis ideas tuvo que ver con el “intervine” jugar, ironizar, sobrescribir el sentido al intervenir sobre un ícono del arte y tomar a Marcel Duchamp (1887-1968) como un ejemplo de mi trabajo, sabiendo que su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Coincidí con él en tomar a “La Gioconda” de Leonardo Da Vinci. En mi caso la conquista de este trabajo paso por, la mejora en cuanto a la manipulación técnica en este nuevo lenguaje digital, el aporte y la creación de nuevas ideas, el conocimiento sobre nuevos conceptos tomados en cuenta, la búsqueda de nuevos recursos técnicos, la elaboración prolija y la originalidad lograda.

No quiero olvidarme de nombrar un genial y muy joven Artista Ilustrador digital argentino que descubrí en la web durante éste cuatrimestre mientras realizaba mis propias búsquedas, el cual captó mucho mi atención, se trata de Nunö es Mariano Enriquez, un artista de tres cabeza: diseñador, músico (toca el stick y acaba de terminar un  disco aún inédito) e ilustrador. A continuación alguno de sus trabajos para que lo conozcan.

7 de octubre en Paraná

Intervenir una obra de arte

En “INTERVINE” nos permitimos jugar, ironizar, sobrescribir el sentido al intervenir sobre un ícono del arte. La apropiación de obras de otros artistas, a través de citas o reconstrucciones, es un procedimiento que nace con el arte contemporáneo. Según el filósofo y crítico de arte Arthur Danto, el artista contemporáneo tiene a su disposición para producir todo el repertorio de la historia del arte.

En 1919 Marcel Duchamp inauguraba una de las vías más fructíferas del arte contemporáneo al colocarle barba y bigotes a una reproducción de la célebre Gioconda de Leonardo Da Vinci. Este gesto irónico e irreverente hacia la institución arte, abrió camino hacia operaciones como la apropiación, la intervención, la citación culta, el maquillaje y la adulteración de los originales museables, y trajo consigo la inevitable desacralización de las obras maestras del arte del pasado.

El mencionado ready-made de Duchamp, titulado "L.H.O.O.Q" (las iniciales del título leído rápidamente en francés, aluden a una frase prosaica: "ella tiene el culo caliente") era una operación muy sutil, pero plagada de sentidos ulteriores: profanar la belleza atemporal y cristalizada de uno de los íconos femeninos más famosos del mundo. Según Gérard Genette es este “gesto” el que constituiría en obra de arte conceptual: su carácter crítico, polémico, paradójico, provocativo y humorístico que acompaña al acto de exponer el objeto y la recepción del mismo.

Así los ready-made sentaron las bases del arte de concepto y dieron comienzo a la interminable estela de reenvíos, cruces, interdiscursividades, intertextualidades y resemantizaciones, de referentes visuales de la modernidad artística. La cita, una de las maneras de interpretar el pasado en el presente que caracteriza a las tendencias internacionales postvanguardistas, se generaliza después de los años 80 en lo que Arthur Danto denomina “era posthistórica del arte”. En la posthistoria no hay condicionamientos filosóficos ni estilísticos, las estructuras narrativas anteriores se han gastado, no tienen un rol activo en la producción de arte contemporáneo. Hoy el arte es producido en un mundo artístico no estructurado por ninguna narrativa maestra (por lo tanto cualquier cosa puede ser obra de arte).

La nómina de apropiaciones y citas es abundante. Basta mencionar los casos de Rauschenberg, con su apropiación “De Kooning borrado” (1953), título que aclara la presentación de una hoja de papel borroneada, de un supuesto dibujo de De Kooning. Andy Warhol, cuando se apropió y modificó la iconografía aurática de "La Ultima Cena" de Da Vinci, para uno de sus ciclos serigráficos. Caso ejemplar es el de Mike Bildo, que a mediado de los 90 opera la apropiación con "Not Andy Warhol Brillo Box" y “Not Pollock” donde las "Brillo Box" de Warhol y el “action painting” de Jackson Pollock son resignificados desde el umbral de la contemporaneidad.

Proceso de idea

Mi tarea consistió en la apropiación y resignificación de obras consagradas en la historia del arte y conocidas popularmente. Mediante la digitalización y  los procedimientos realizados en cada imagen, de alguna manera, se interroga sobre el significado de cada obra, en éste caso, la retórica sería mi aliada. También me interesó expresar esta vinculación de las obras con los sistemas de producción y circulación tradicionales, como Walter Benjamin nos ha explicado en uno de sus libros. Mi intención fue lograda al apropiarme de cada una de las obras de diferentes artistas, dando a entender que con las posibilidades tecnológicas que nuestro tiempo brinda, en este caso, lo digital, se hace cada vez más difícil conservar ésta ley que nos rige a todos aquellos que producimos ideas en diferentes lenguajes y formas. El procedimiento que llevé a cabo fue muy lúdico, quise lograr imágenes que resignificaran cada obra de una forma, quizás, muy fácil de captar y donde entraron en juego los conceptos, las variables, la originalidad y la copia por supuesto.

Imagenes

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Derechos de autor

La Propiedad Intelectual está reconocida  por la Constitución Nacional en el art. 17 "Todo autor o inventor es propietario exclusivo de su obra, invento o descubrimiento por el término que le acuerde la ley".

La primera ley sancionada en la República Argentina sobre Derecho de Autor es la número 7092 promulgada por el Poder Ejecutivo Nacional el 23 de septiembre de 1910 y publicada en el Boletín Oficial el 24 de septiembre del mismo año.

Actualmente rige la ley 11.723 promulgada por el Poder Ejecutivo Nacional el 28 de septiembre de 1933 y publicada en el Boletín Oficial el 30 de septiembre del mismo año. Originalmente la denominación de este Organismo fue la de "Registro de Propiedad Intelectual" hasta que por el decreto 800 de 1971, publicado en Boletín Oficial 8 de agosto de 1972, se cambió por la de "Dirección Nacional del Derecho de Autor" que rige en la actualidad.

Propuesta de trabajo

La propuesta de trabajo consiste en la elaboración digital de diez imágenes, las cuales se realizarán bajo dos variables que tomaré como ejes principales. Se trata de los derechos de autor, que es lo que existe desde que la obra es creada, donde se convierte inmediatamente en propiedad del autor que crea dicha obra, solo él o aquellos cuyos derechos derivan del autor pueden reclamar propiedad y solo el titular goza de derechos exclusivos con respecto a lo creado, por ejemplo, libros, escritos, obras coreográficas, composiciones musicales, obras cinematográficas, obras de dibujo, pintura, escultura, grabado, litografía, historietas gráficas, comics, obras fotográficas, gráficos , mapas, diseños, proyectos, planos, maquetas, diseños arquitectónicos y de ingeniería, entrevistas, programas informáticos, páginas web, y así podríamos seguir nombrando otros ejemplos. En ésta oportunidad voy a trabajar con imágenes de pinturas famosas lo cual conformaría otro de mis ejes, muy conocidas por el entorno artístico. Elijo pinturas por mi afinidad hacia ese lenguaje. Las obras seleccionadas varían en estilos, épocas y autores, quiero experimentar con pinturas que difieran en esos aspectos. La conquista de este trabajo pasaría por la manipulación técnica en este nuevo lenguaje digital,  compositivamente poder lograr la combinación entre pintura y fotografía, ya que tomaría una pintura digitalizada intervenida por fotos que voy a tomarme, quiero estar presente en la imagen, el nuevo sentido que podré darle. Es decir, estaría violando de cierta manera los derechos de cada artista para incorporarme dentro dándole un nuevo sentido.

Noticia "Los artistas plásticos exigen derechos de autor"

La tierra de Goya acogió ayer las quejas de los artistas plásticos. Antonio López, Ràfols Casamada, Luis Gordillo, Juan Genovés, Eduardo Chillida y Javier Mariscal pidieron en Zaragoza que el Gobierno haga respetar sus derechos de autor, recogidos en la Ley de Propiedad Intelectual. "Al artista hay que defenderle y no explotarle. Es hora de que tomemos el poder y de que se nos respete y reconozca", dijo Gordillo, presidente de VEGAP (Visual Entidad de Gestión de Artistas Plásticos), entidad organizadora del acto, en el que la gran ausente fue la ministra de Cultura.

La noticia en otros webs

El manifiesto de Zaragoza, que recogió ayer el director general de Bellas Artes, José Guirao, en nombre del Ministerio de Cultura, consta de 14 puntos y en ellos se examinan las obligaciones del Estado y la sociedad civil para con los derechos de autor, tanto morales como económicos. Los artistas plásticos, en el manifiesto, piden la supresión del apartado 2 del artículo 56 de la Ley de Propiedad Intelectual, que regla los derechos de exhibición, por considerarlo una sustracción de sus derechos por parte del propietario de la obra. También solicitan la obligación de informar al autor de la localización de sus obras en cada momento; lo que es un derecho moral nuevo en España, pero que está presente desde hace mucho tiempo en las legislaciones europeas.Otras de las reivindicaciones del manifiesto es la petición de rebajar el precio umbral de 300.000 pesetas hasta situarlo en los límites europeos, en tomo a las 25.000 o 30.000, en los casos de reventa de la obra. Por último, los artistas son partidarios de aumentar a 70 años -ahora están en 60 años- los derechos de explotación de la obra por parte de los herederos en caso de muerte del autor.

Los pasillos del paraninfo de la Universidad de Zaragoza se llenaron de pintores y escultores. Los había más militantes y otros más despistados. Luis Gordillo se encontraba entre los primeros. Como presidente de VEGAP, entidad que gestiona los derechos de autor de los artistas plásticos, el pintor sevillano se quejaba de que, a pesar de que sobre el papel la Ley de Propiedad Intelectual de 1987 es "positiva y progresista", su aplicación deja mucho que desear.

Tienen tan interiorizado el sentido del sufrimiento y la desilusión, que aún el mismo Gordillo, el más activo de todos, confiesa que se daría con un canto en los dientes si se recogieran en un futuro algunas de sus reivindicaciones. "Nuestras esperanzas no existen".

Sin embargo, Gordillo no cree que los artistas plásticos estén discriminados legalmente con respecto a los escritores o músicos, ni que haya un vacío legal. "En España se hacen leyes preciosas, pero después no se aplican. El Gobierno no se puede hacer el loco y debe obligar a las instituciones y a la propia Administración a divulgar, cumplir y hacer cumplir los derechos de los artistas", señaló ayer en la prestación del manifiesto.

A juicio de Gordillo, una de las prioridades de este colectivo es la de "convencer a la sociedad de nuestros derechos". "Se piensa que ya se nos paga suficiente con la publicidad que se nos hace de nuestra obra y, a veces, se presiona y obliga al artista a renunciar a sus derechos", señaló el pintor, para quien son los propios artistas los que también se tienen que concienciar. "Con el boom del mercado que hemos vivido la sociedad se cree que los artistas tenemos algún poder. Esto es absolutamente falso; son seres desvalidos y débiles, algunos de ellos verdaderos héroes, que trabajan con dificultades bestiales. Al artista hay que defenderle y no explotarle. Se acabó la mendicidad y la humillación, es hora de que los artistas tomemos el poder y exijamos el respeto y reconocimiento que nos merecemos.

Para Juan Genovés es importante que se haga en España lo mismo que en Europa, así como que se cumpla la legislación existente. El autor de los famosos dibujos pro amnistía en plena dictadura franquista, que hizo público su malestar por la ausencia de la ministra, denunció el que incluso museos nacionales en la elaboración de catálogos "han llegado a pagar derechos de autor a artistas extranjeros y no a españoles, con el peregrino argumento de que aquí, en nuestro país, nunca se había hecho". Con un bolsón cruzado por el pecho y una gabardina quizá demasiado larga para su estatura, Antonio López sonreía por los pasillos de la universidad a los muchos admiradores que se le acercaban a saludar. Él estaba claramente en el grupo, si no de los despistados, sí de los no demasiado concienciados o algo dudosos. Aunque el pintor manchego señaló que estaba de acuerdo con la necesidad e importancia de crear un marco en el que los autores, sobre todo los más jóvenes, vean respetar sus reivindicaciones y derechos, López no quiso obviar algo que quizá estaba latente y nadie se atrevía a decirlo.

"Aquí hay demasiados tópicos; es todo muy complicado. Es verdad que hay que corregir posibles injusticias y desajustes, pero hay que ser también más realistas. La vida es muy difícil y dura para todos, y no sé por qué los pintores tenemos que exigir más que los demás. Ninguno de los que estamos aquí, y yo el primero, nos podemos quejar. Los pintores no debemos exigir más que los campesinos o los taxistas", dijo el pintor.

Autor de los medallones con los que VEGAP galardonó ayer a diversas instituciones en Zaragoza, Mariscal señaló que no había que esperar a que el Estado resolviera los problemas. "Lo que hay que hacer es currárselo. Yo llevo mucho tiempo desarrollando una labor pedagógica por medio de contratos".

(Diario Español "EL PAÍS")

¿Qué es el Arte Digital?

En la web podemos encontrar diferentes definiciones de Arte Digital, como también definiciones de Arte (entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros, etc) por un lado y Digital (utiliza o contiene información convertida al código binario, el lenguaje de números -ceros y unos- que emplean los ordenadores para almacenar y manipular los datos) por el otro. Hoy nos interesa saber qué es exactamente el Arte Digital.

Arte Digital: engloba una serie de disciplinas creativas en las que se utilizan tecnologías digitales en el proceso de producción o en su exhibición. Por lo tanto podemos decir que ésta disciplina se encuentra dentro de las Artes Plásticas como lenguaje visual. Es una forma de expresión relativamente nueva y en gestación. La novedad del medio conduce a una trascendentalización de piezas digitales sin una revisión adecuada de su calidad, creando un corpus de obras que probablemente no superen la prueba del tiempo: la novedad del medio se convierte en categoría estética, y los críticos de arte y escritores de la cultura digital, así como las empresas que publicitan novísimas tecnologías contribuyen a ello.

Siendo el arte digital producto de la tecnología informática, se da la tentación de distinguir el arte tradicional del digital señalando que éste es tecnológico, y el resto no. La tecnología consiste básicamente en un instrumento o procedimiento que posibilita una creación, y en ese sentido no existe diferencia entre un pincel y una paleta gráfica, pero es común encontrar clasificaciones de arte digital basadas en el soporte usado: net.art, CD-Rom-art, videoarte, instalaciones interactivas y sus híbridos, que suelen etiquetarse como «arte multimedia».