Arte Digital

En la actualidad, el manejo de la informática (ciencia del tratamiento automático de la información mediante un ordenador), se hace imprescindible en muchas actividades y acciones llevadas a cabo en la vida diaria de cualquier persona que atraviesa estos tiempos de avances tecnológicos, cada vez más rápidos.

En mi caso particular, me encuentro cursando el 4° año de mi carrera de estudios dentro de las Artes Visuales, en el cual se dispone un seminario optativo del segundo cuatrimestre, llamado “arte digital”, a cargo de la Profesora Ysabel Tamayo.

Para introducirnos al seminario la profesora solicito la indagación e investigación del lo que comprendía la idea de arte digital en la actualidad. Es por eso que pude comenzar a leer en páginas y sitios web, sobre los precursores de la informática y los ordenadores que hoy día tanto influencian y han influenciado nuestra sociedad y nuestra cultura. Pensar la informática y el ordenador, como herramientas para crear imágenes y sonidos o, en definitiva, para producir nuevas experiencias artísticas, muy pronto fue abriendo nuevos horizontes a los artistas de cualquier parte del mundo, que se lanzaron a explorar sus posibilidades de expresión.

Pero para ser más claro en la definición del concepto y de lo que comprende en sí el Arte Digital, comencé la búsqueda de diferentes autores y definiciones. En esta exploración y sabiendo que podemos definir ARTE (cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros, etc) por un lado y DIGITAL (utiliza o contiene información convertida al código binario, el lenguaje de números -ceros y unos- que emplean los ordenadores para almacenar y manipular los datos) por el otro, me intereso encontrar un concepto que unificara las dos palabras. Entonces puedo decir que el arte digital, engloba una serie de disciplinas creativas en las que se utilizan tecnologías digitales en el proceso de producción o en su exhibición. Por lo tanto se encuentra dentro de las Artes Plásticas como un lenguaje visual y por lo tanto entra en la categoría estética, y los críticos de arte y escritores de la cultura digital, así como las empresas que publicitan novísimas tecnologías contribuyen a ello. Pudiendo de igual manera distinguir el arte tradicional del digital señalando que éste es tecnológico, y el resto no. Lo tecnológico vendría a ser un instrumento o procedimiento que posibilita la creación.

Los programas con los que conté hasta el momento y con los cuales sigo contando son: corel photo paint y photoshop. Tuve experiencias previas en cuanto al manejo de estas dos herramientas, pero, he mantenido una mayor afinidad con el primero (corel photo pait). También hay otros programas editores de imagen que he bajado de internet, de los cuales también he ejercitado. Mis experiencias tienen que ver básicamente en base a fotografías que tomo en diferentes momentos con mi cámara digital, la cual hace tiempo tengo. Mis realizaciones, la mayoría, han sido por recorridos propios y de búsquedas personales, iniciadas por mi propia curiosidad, en la búsqueda de nuevas herramientas y caminos, además, por afinidad hacia los medios digitales y la computadora.

Otra de las cuestiones que la profesora nos hizo indagar fue sobre la realidad virtual, el hecho de generar imágenes sintéticas, que podemos ver en pantalla. Esto hace referencia a la inmersión en mundos tridimensionales generados sintéticamente, desde donde es posible interactuar con los objetos artificiales del entorno (simulaciones artificiales de la realidad, que va desde los diaporamas y los adelantados cines 3D hasta el actual CAVE y los sistemas de realidad aumentada).

Una nueva cuestión se centraba en la averiguación de lo que es la Retórica de la Imagen. En este caso a quien acudí fue al autor Roland Barthes, quien estableció en 1964 la definición teórica de los mecanismos retóricos que actúan en el plano de la connotación de la imagen publicitaria. En su trabajo "La retórica de la imagen", Barthes, analizan las características de la imagen en el mensaje publicitario, señala que, la significación es sin duda intencional, distinguiendo entre: Mensaje lingüístico (Se refiere al lenguaje articulado escrito que podría llegar a formar parte de la misma imagen) y Mensaje icónico simbólico (formado por agrupaciones de determinados elementos de la figura que aluden a conocimientos pertenecientes a la realidad cultural compartida por emisor y receptor)

Continuamos indagando sobre lo que es una imagen analógica (conformada por infinidad de partículas que reproducen intensidades de luz o describen intensidades tonales los granos de cloruro de plata de la fotografía tradicional) y cuáles son sus diferencias con la imagen digital (La imagen digital se compone de una matriz de píxeles que puede observarse en el monitor, almacenarse en la memoria del ordenador, interpretarse como minúsculos puntos de tinta sobre una superficie de papel o enviarse por internet) aquí la diferencia tiene que ver, únicamente, que aquí no se trata de granos sino de píxeles (éstos no derivan de la sensibilización de sales).

La propuesta de trabajo de realización individual tuvo que ver con la elección de dos o más variables, que tomaríamos como punto de partida o como ejes principales para la elaboración de diez imágenes digitales, las cuales tenían que ser creadas e intervenidas de acuerdo a cada una de nuestras posibilidades. En mi caso, las herramientas utilizadas fueron las que nombre anteriormente y las variables elegidas tuvieron que ver con el derechos de autor (que es lo que existe desde que la obra es creada, donde se convierte inmediatamente en propiedad del autor que crea dicha obra, solo él o aquellos cuyos derechos derivan del autor pueden reclamar propiedad y solo el titular goza de derechos exclusivos con respecto a lo creado) y como segunda variable tome pinturas famosas (aquellas que son muy conocidas por el entorno artístico y por la gente común). Como exprese en un post anterior los motivos de la elección de las dos variables tuvieron que ver, en primer lugar y correspondiente a la primer variable, por un hecho del cual fui protagonista, sucedido a mitad de este año, en el cual sufrí el robo de una de mis pinturas desarrollada unos cinco mesas atrás, lo cual generó en mi un montón de cuestionamientos frente a este hecho que nunca me había sucedido. Pero además la gran curiosidad por los derechos que todo autor tiene derecho, las leyes de las cuales se disponen a favor del creador. Pude descubrir los símbolos utilizados para poder señalar en muchas ceraciones este derecho, por un lado tenemos el símbolo ℗ representa la reserva de los derechos de autor sobre una grabación; y es la abreviatura de la palabra “fonógrafo”;phonograph en inglés, o registro fonográfico. Este símbolo hace referencia al fonograma (master de audio) no a la obra musical en sí grabada; es muy común verlo impreso en las contraportadas de los discos. Por otro lado, el símbolo © sí hace referencia al derecho de autor (copyright) que protege obras intelectuales, como canciones, libros, obras dramáticas, obras cinematográficas y audiovisuales; dibujos, pinturas etc. En este punto recuerdo la obra de Walter Benjamín titulado “La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica”, donde el autor desarrolla esencialmente la cuestión aurática en una obra de arte, postulando que la obra ha sido siempre fundamentalmente susceptible de reproducción. Lo que los hombres habían hecho, podía ser imitado por los hombres. Poniendo en tela de juicio el aura en la imagen fotográfica y los videos, los cuales se pueden reproducir infinitas veces. Mi segunda variante (pinturas famosas) de mi gran afinidad hacia ese lenguaje artístico, la cual la elección de ellas varió en estilos, épocas y autores. Las cuales nombraré por el orden en que las publique a los artistas pintores, de los cuales tome una obra para trabajar en mi idea: la primera tiene que ver con una pintura de vasili Kandinsky (1866-1944), fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica. La segunda es de Piet Mondrian (1872-1944), pintor vanguardista holandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Vasili Kandinski y Kazimir Malévich. La tercer pintura corresponde a Gustav Klimt (1862-1918), fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. La cuarta pintura, se trata de Pablo Picasso (1881-1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. La quinta imagen tiene que ver con Joan Miró (1893-1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. La sexta obra es la de uno de mis artistas favoritos Jorge de la Vega (1930-1971), miembro del movimiento de vanguardia llamada Nueva Figuración. La séptima imagen es una pintura de Salvador Dalí (1904-1989), fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. La octava es de Edvard Munch (1863-1944), fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. La novena pintura intervenida es de Leonardo da Vinci (1452-1519), fue un pintor florentino y polímata (a la vez artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor). La última imagen tiene que ver con el artista argentino Antonio Berni (1905-1981), artista representativo de la época que vivió; lo caracterizó el fuerte contenido social de su obra. Con una galería de personajes entre los que se destacan Juanito Laguna y Ramona Montiel, representantes de los sectores más bajos y olvidados. Mi presencia en cada una de las imágenes creadas, fue una constante, la tarea de introducirme como principal personaje, quien interrumpe de forma drástica cada una de las fotografías logrando darle un nuevo sentido. Como una autocrítica, puedo decir que, la idea fue variando con respecto a la representación y tuve algunos inconvenientes en poder lograr lo que yo quería comunicar de alguna forma. Comencé por unas imágenes donde yo aparezco con un rostro un tanto soberbio, dañando la obra, esto se da en las pinturas de Vasili Kandinski, Joan Miró y Gustav Klimt, luego pude agrupar aquellas imágenes intervenidas de un nuevo camino que se fue dando durante la realización de toda la serie, en las pinturas de Pablo Picasso, Salvador Dalí, Piet Mondrian y Jorge de la Vega, se dieron nuevos efectos, hay modificaciones muy visibles que realice en cada una de ellas y de las cuales me permitió darle un nuevo sentido y poder resignificar cada una de ellas. Las tres y últimas imágenes restantes, de los artistas, Edvard Munch, Leonardo da Vinci y Antonio Berni, ya llegaron a perder el formato de obra de arte, es decir, perdieron la forma de soporte lienzo, por ejemplo, la incorporación de “La Gioconda” de da Vinci, que aparece en una caja de vitaminas, el otro caso, de un bloc de copias de la misma imagen apiladas de “El Grito” de Munch y por último la imagen de una impresión en papel del cuadro de Berni. Lo que me permitió desarrollar cada una de mis ideas tuvo que ver con el “intervine” jugar, ironizar, sobrescribir el sentido al intervenir sobre un ícono del arte y tomar a Marcel Duchamp (1887-1968) como un ejemplo de mi trabajo, sabiendo que su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Coincidí con él en tomar a “La Gioconda” de Leonardo Da Vinci. En mi caso la conquista de este trabajo paso por, la mejora en cuanto a la manipulación técnica en este nuevo lenguaje digital, el aporte y la creación de nuevas ideas, el conocimiento sobre nuevos conceptos tomados en cuenta, la búsqueda de nuevos recursos técnicos, la elaboración prolija y la originalidad lograda.

No quiero olvidarme de nombrar un genial y muy joven Artista Ilustrador digital argentino que descubrí en la web durante éste cuatrimestre mientras realizaba mis propias búsquedas, el cual captó mucho mi atención, se trata de Nunö es Mariano Enriquez, un artista de tres cabeza: diseñador, músico (toca el stick y acaba de terminar un disco aún inédito) e ilustrador. A continuación alguno de sus trabajos para que lo conozcan.

En “INTERVINE” nos permitimos jugar, ironizar, sobrescribir el sentido al intervenir sobre un ícono del arte. La apropiación de obras de otros artistas, a través de citas o reconstrucciones, es un procedimiento que nace con el arte contemporáneo. Según el filósofo y crítico de arte Arthur Danto, el artista contemporáneo tiene a su disposición para producir todo el repertorio de la historia del arte.

En 1919 Marcel Duchamp inauguraba una de las vías más fructíferas del arte contemporáneo al colocarle barba y bigotes a una reproducción de la célebre Gioconda de Leonardo Da Vinci. Este gesto irónico e irreverente hacia la institución arte, abrió camino hacia operaciones como la apropiación, la intervención, la citación culta, el maquillaje y la adulteración de los originales museables, y trajo consigo la inevitable desacralización de las obras maestras del arte del pasado.

El mencionado ready-made de Duchamp, titulado "L.H.O.O.Q" (las iniciales del título leído rápidamente en francés, aluden a una frase prosaica: "ella tiene el culo caliente") era una operación muy sutil, pero plagada de sentidos ulteriores: profanar la belleza atemporal y cristalizada de uno de los íconos femeninos más famosos del mundo. Según Gérard Genette es este “gesto” el que constituiría en obra de arte conceptual: su carácter crítico, polémico, paradójico, provocativo y humorístico que acompaña al acto de exponer el objeto y la recepción del mismo.

Así los ready-made sentaron las bases del arte de concepto y dieron comienzo a la interminable estela de reenvíos, cruces, interdiscursividades, intertextualidades y resemantizaciones, de referentes visuales de la modernidad artística. La cita, una de las maneras de interpretar el pasado en el presente que caracteriza a las tendencias internacionales postvanguardistas, se generaliza después de los años 80 en lo que Arthur Danto denomina “era posthistórica del arte”. En la posthistoria no hay condicionamientos filosóficos ni estilísticos, las estructuras narrativas anteriores se han gastado, no tienen un rol activo en la producción de arte contemporáneo. Hoy el arte es producido en un mundo artístico no estructurado por ninguna narrativa maestra (por lo tanto cualquier cosa puede ser obra de arte).

La nómina de apropiaciones y citas es abundante. Basta mencionar los casos de Rauschenberg, con su apropiación “De Kooning borrado” (1953), título que aclara la presentación de una hoja de papel borroneada, de un supuesto dibujo de De Kooning. Andy Warhol, cuando se apropió y modificó la iconografía aurática de "La Ultima Cena" de Da Vinci, para uno de sus ciclos serigráficos. Caso ejemplar es el de Mike Bildo, que a mediado de los 90 opera la apropiación con "Not Andy Warhol Brillo Box" y “Not Pollock” donde las "Brillo Box" de Warhol y el “action painting” de Jackson Pollock son resignificados desde el umbral de la contemporaneidad.